Cécile Bouffard, 
Voulez-vous danser? 



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September 2017

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Cécile Bouffard utilise un répertoire d’objets qui empruntent au mobilier, à la forme pure et au geste pour créer des situations au potentiel ouvert, à peine esquissé. Elle se réclame avant tout de la peinture mais réalise des sculptures sensitives qui semblent énigmatiques et refermées sur elle-même, dont l’usage et l’intention - tous deux contrariés - sont cependant éclairés par les textures employées ou les titres évocateurs.

Ses œuvres renvoient à un imaginaire de l’habitat et à des matériaux domestiques : matière antidérapante, bâche de piscine, moquette viennent recouvrir des structures en bois lorsque celles-ci ne sont pas peintes et uniformément vernies. Les titres produisent, eux, un renversement, un glissement de l'effet attendu, autant qu’ils indiquent différents ensembles : les modules actionnables, les actions imprévues et les sentiments.

Ses œuvres ménagent ainsi une ambiguïté constante de catégorie, de statut et d’emploi : entre abstraction et narration, accessoire et décor, évocation d’un usage et sa désuétude. Cécile Bouffard allie la dramaturgie de David Hockney, un vocabulaire formel moderniste et une retenue minimale. L’agencement des différents éléments, la distribution de l’espace et les illusions de profondeur - parties intégrantes de la conception et de la disposition de ses œuvres -  sont autant d’outils pour induire un moment de suspens, de basculement aussi tragique que drôle.

Elle ébauche les ressorts d’une intrigue et les principaux traits d’un caractère. Les œuvres sont dotées d’une intention feinte, d’une tentative de comportement. Elles incarnent la possibilité d’un baiser autant que d’une gifle : la poésie des situations idéales qui dérapent, la séduction maladroite, les aléas du quotidien et l’amour qui tourne mal, mais sans gravité aucune.

Un sens du décalage neutralisé dans un mot d’esprit visuel, une relation entre le titre et son œuvre dont le raccourci comique est accompli avec discrétion. Les injonctions y sont des invitations au contact intime, les interrogations des risques à prendre, les excuses et les propositions des scénarios à deviner, et les associations d’œuvres des pas de deux ou de trois à la délicatesse sentimentale insoupçonnée.

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About



Anaïs Lepage is an independent curator, writer, art historian and lecturer.

Trained in art history at the École du Louvre, in museum studies at the University of Quebec in Montreal and in curatorial studies at the Sorbonne University, she has multiplied her experiences in France and abroad. She began at the Maison Rouge in Paris, at the Museum of Contemporary Art in Montreal, and alongside Guillaume Désanges at the Verrière - Hermès Foundation in Brussels. Then, she became involved as assistant curator at the Museum of Contemporary Art in Chengdu in China, at the Museum of Modern Art in Paris and at the Louis Vuitton Foundation.

With a fondness for collective dynamics, she co-founded the Heiwata curatorial platform, based in Paris, Mexico City and Toronto, and participates in the queer and feminist workshop How to Suppress Universty Writing led by Émilie Noteris. Recently, she has collaborated with AICA International, CNEAI, the Palais de Tokyo, the Cité Internationale des arts and the Drawing Lab in Paris. Since 2019, she is teaching exhibition curating at the Paris 1 Panthéon-Sorbonne University. 

Her research focuses on the excesses and secrets of art history linked to sensitivities and spiritualities as well as postcolonial, gender and feminist studies. She is particularly attached to words, forms and gestures generated outside of a rationalist thinking : drawing on occult and mystical sources; or being inspired by affective flows, emotions and the sentimental life. Practices that often cross issues of resistance, struggle, healing, and relationship to the living. She has developed projects with artists such as Madison Bycroft, Julien Creuzet, Ad Minoliti, and Daniel Otero Torres, among others.

Deploying a holistic conception of curating, she also reflects on the forms of writing about art by shifting the critical, fictional and intimate registers during collaborations, performances and podcasts.

Inspired by radical pedagogies, she began researching the “emotional labor” that operates in the positions of curator,  lecturer, and art worker.

Over the course of meetings and projects, she has developed a particular interest in the artistic scenes of the Americas and the Caribbean, Scandinavia and South Africa.

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Anaïs Lepage est curatrice indépendante, autrice, chercheuse et enseignante. 

Formée en histoire de l’art à l’École du Louvre, en muséologie à l’Université du Québec à Montréal et en études curatoriales à l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne, elle multiplie les expériences en France et à l’étranger. Elle débute à la Maison Rouge à Paris, au Musée d’art contemporain de Montréal et aux côtés de Guillaume Désanges à la Verrière – Fondation Hermès à Bruxelles. Elle s’investit ensuite en tant que commissaire assistante au Musée d’Art Contemporain de Chengdu en Chine, au Musée d’Art Moderne de Paris, et à la Fondation Louis Vuitton.

Affectionnant les dynamiques collectives, elle a cofondé la plateforme curatoriale HEIWATA, basée entre Paris, Mexico et Toronto, et participe à l’atelier d’écriture queer et féministe How to SupPRESS Universty Writing mené par Émilie Noteris. Récemment, elle a collaboré avec l’AICA International, le CNEAI, le Palais de Tokyo et la Cité Internationale des arts à Paris. Depuis 2019, elle enseigne le commissariat d’exposition à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.

Ses recherches portent sur les excès et les secrets de l’histoire de l’art en lien avec des sensibilités et des spiritualités ainsi que les études postcoloniales, de genre et féministes. Elle s’attache particulièrement aux mots, aux formes et aux gestes générés hors d’une pensée rationaliste : puisant dans des sources occultes et mystiques ; ou s’inspirant de flux affectifs, d’émotions et de la vie sentimentale. Des pratiques qui traversent souvent les questions de résistance, de lutte, de réparation, et de relation au vivant. Elle a ainsi développé des projets avec des artistes tels que Madison Bycroft, Julien Creuzet, Ad Minoliti, et Daniel Otero Torres, entre autres.

Déployant une conception holistique du commissariat, elle réfléchit également aux formes d’écritures sur l’art en déplaçant les registres critique, fictionnel et intime lors de collaborations, de performances et de créations radiophoniques.

Inspirée par les pédagogies radicales et engagées, elle commence une recherche sur le “travail émotionnel” à l'oeuvre dans les rôles de commissaire d'exposition, d'enseignante et de travailleuse de l’art.  

Au fil des rencontres et des projets, elle a développé un intérêt particulier pour les scènes artistiques des Amériques et des Caraïbes, Scandinave et d’Afrique du Sud.
 



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